摘要：
雷雨遵循了古典主义的什么旋律？古典吉他演奏中应该如何控制音色变化，来提高乐曲的表现力？如何理解古典时期的钢琴音乐？雷雨遵循了古典主义的什么旋律？雷雨遵循了古典主义戏剧的“三一律”原... 雷雨遵循了古典主义的什么旋律？
雷雨遵循了古典主义戏剧的“三一律”原则。
三一律 [sān yī lǜ]
西方戏剧结构理论
三一律（classical unities）是西方戏剧结构理论之一，亦称“三整一律”。是一种关于戏剧结构的规则。先由 文艺复兴 时期意大利戏剧理论家 钦提奥 约于1554年提出，后由法国 新古典主义 戏剧家 确定和推行。要求戏剧创作在时间、地点和情节三者之间保持一致性。即要求一出戏所叙述的故事发生在一天（一昼夜）之内，地点在一个场景，情节服从于一个主题。
古典吉他演奏中应该如何控制音色变化，来提高乐曲的表现力？
音乐是声音的艺术，它的一切艺术都是通过声音来进行的，音色则是声音的色彩，它是随着音乐作品的内容需要而加以变化的。一首较深沉、具思的作品就应该用柔和、暗淡一些的音色来演奏，如果是一首热情奔放的作品就必须用明亮一些的音色来演奏。 在吉他上，低音区（第4, 5, 6弦）音色淳厚、深沉，高音区（第1,2, 3弦）音色清晰明亮，同一音高的音位置有好几个，由于弦的性质而导致音色不同;右手用不同的拨弦方法演奏，不同的角度触弦或不同的位置弹奏，都能使音色产生微妙的变化。这样常常能把一支谱面看上去十分俭朴的曲调演奏得色彩缤纷。
然而，在现阶段大多数吉他爱好者在学琴中往往忽视了对音色的学习，这样往往导致左手十分熟练，但右手掌握不好音色，那么纵然你有很好的演奏技巧，但不能充分发挥乐器本身特点而大大影响演奏效果，所以本人认为在学习吉他一开始最好能先解决音色问题。发出美妙动听的音色主要取决于以下三个方面：
一、指甲：西班牙古典吉他弹奏法有多种流派，其中以指头指甲并用派为最常用的一种，此种派别的右手指甲修正好坏将直接影响到右手拨弦的音色和音量。好的指甲应修成:长短适合，一般高出指头(1~2)毫米。由于指甲再经过指头是一件极为短暂的事，太长指甲滑入指缝会产生飘而乏力的音色，而且很容易使指甲产生裂口，指甲过短在弹奏时往往会出现杂音,且音量较小，所以只有长短适合的指甲才能使右手弹奏技巧得到充分发挥。指甲形态可分为圆形和方形，一般指甲较平正的适合于圆形，与指头相同形态。指甲较弓起的适合于留方形，这样可以改善内勾程度，也可以根据指头条件不同留成圆形方形并用。另外每天练琴中应该要关心注意自己的指甲，以免产生裂缝，而修理过程中要十分小心，先用细砂纸将指甲磨成你需要的长度和形态，然后用法兰绒(或牛皮纸等柔软物件)将指甲边缘磨得十分光滑，从而使音色更佳。或者用牙膏挤在指甲上来回摩擦 也可以。
二、左手：左手四指在吉他上主要负责按弦，左手不可留指甲，按弦时手指的每个关节呈自然状态，按弦用力不可过大，以不出沙音即可，因为按弦过轻时音色会虚空，而过重时则会造成左手紧张，容易产生老茧，影响左手的触弦感觉所以左手按弦时要做到点到为止。另外左手在按弦时不可忽视一个问题，即按弦到位(琴格下三分之一处)靠近音格，这样既省力又可避免噪音，发音清晰，如果按弦不到位，会产生不良的音色，这样演奏再好的乐曲也会因此大打折扣。
三、右手：琴的声音是靠右手拨弦发生的，求得美妙动听的声音必须掌握正确的发音方法，所谓正确的技弦方法就在演奏时将手指放松，在触弦的一利那形成第三关节发力，弹音后手指仍需放松。在些个右手弹奏过程中动作必领果断，做到触弦即弹避免噪音，保证发音饱满的音色，为了使靠弦奏法能得到更加饱满的音色，右手在拨弦发力时将手指往琴体方向轻压一些，这样便能得到一种饱满的音色且有一种金属敲击之声，我认为这是一种发音的好方法。
靠弦奏法和不靠弦奏法在拨弦时方向不同，导致音色音量不同，前者力度较强，音质纯厚饱满，后者发音清晰，动作敏捷，但音量较小，总之这两种拨弦方法能产生不同的音乐效果。在演奏任何一首乐曲时都必须将乐曲的声部和层次展现出来，运用这两种方法来区分每一个声部。如演奏名曲《爱的罗曼斯》根据靠弦奏法和不靠弦奏法的特点，乐曲的旋律部分由无名指用靠弦奏法弹奏，而内声部(即和声伴奏)由中指无名指用不靠弦奏法奏出，低音声部由大拇指用靠弦奏法奏出，这样能使乐曲中三个声部在音质和音量产生对比，听起来层次清楚，主次分明。
在吉他上拨弦位置不同能产生的音色也不同，在演奏中，根据乐曲的需要变动位置，以求不同的音色，表达乐曲不同的韵 味。在靠近琴桥的部位演奏可得到亮丽清脆的音色，如日本民歌《樱花变奏曲》引子部分，在此处演奏可以模仿出日本民族乐器二十弦筝的特色，还有像鲁特琴作品也很适合在此处演奏（维瓦尔第D大调协奏曲）这样可以发挥出鲁特琴乐器本身的特点清晰明亮。在音孔区拨奏出的音色柔美圆润，如塔雷加的大霍塔》的第二十七变奏在此处演奏，可模仿出教堂里大管风琴的效果，总之右手的位置向前移动，位置越前音质越软，音量也随之减弱，相反位置越靠后，音质越硬，音色越亮，音量也随之增大，这种刚和柔、明与暗的变化在演奏中是必不可少的，也是吉他表现的重要方面，我聆听过许多国外演奏家的演奏，他们都很喜爱这两 种方法，运用位置的先后演奏两个相同的乐句，如在演奏塔雷加作品《泪》第一至第二节时，在琴孔上方演奏，而第三至第四小节在琴孔偏下的方向演奏，这样使音色一软一硬形成对比，增加乐曲的感染力。 纵观上述吉他的音色是千变万化的，要想获得良好美妙动听的音色必须长期坚持不懈的学习，严格要求自己，每天的练琴过程中，聆听起着决定性的作用，必须时刻敏锐地去聆听发掘美好的声音，把它的感觉藏在心里，然后根据音乐作品的需要恰如其分地运用音色，使吉他演奏更富魅力。
如何理解古典时期的钢琴音乐？
18世纪中叶，西方音乐开始由巴洛克时期转向古典时期。在这两个时期的交替转化中，钢琴艺术史上经历了一个审美趣味转变、键盘乐器更迭、作品曲式创新和演奏实践改变的过渡阶段，直至18世纪70年代才最后确立了古典主义。过渡时期钢琴音乐风格的演变体现了那个时代人们艺术趣味和审美理想的转变。
18世纪后半叶的欧洲，思想上和政治上发生了巨大的变化。在法国启蒙运动的影响下，艺术作品的题材冲破宗教、历史、宫廷的局限，去表现日常生活***和普通人的感情，并且艺术表现手法更通俗易懂。
在音乐风格上，人们普遍反对过于严肃复杂和宏大深奥的巴洛克复调音乐，刻意追求轻松、愉悦、精致、敏感的主调音乐。因此，钢琴音乐风格上的演奏首先表现在从多声部的复调对位形式转入以旋律为主的主调和声形式。
这一时期的钢琴音乐已经从以往不分主次的几条旋律线纠结在一起的复调织体，改变为以一条旋律线为主，其他声部作为陪衬的主调织体。
作曲家们认识到，钢琴不仅要塑造自然界中的音响形象，也要模仿歌剧中任务的歌唱和说话，特别是模仿表现普通人情感的歌唱和说话。所以，在这一时期钢琴的旋律和音调更具有歌唱性和宣叙性的特点。
在演奏实践方面，巴洛克时代传统的即兴演奏相对减少，逐步让位给照谱演奏的方式。作曲家不仅较完整的记录下所有的音符，而且对于速度、力度、连断奏法以及装饰音也给予了一定的标注，使演奏者在音乐表现上更为细致明确。
这一时期的另一个重要进展是演奏理论体系的建立：“情绪学”理论认为演奏音乐的目的在于模仿人的各种情绪，从而唤起听众相应的情绪(即情感共鸣)，而不是单纯的炫技或***;“音乐修辞学”理论认为某种类型的情绪必定要通过某种特定的旋律、和声、节奏等典型乐汇去表现，大调和小调分别代表不同的情绪，各个调性都有齐规定的表情意义，不同大小的音程亦代表不同的情绪，协和音程代表安宁、不协和音程代表不安等。
这些美学原则统治了这一时期几乎所有的钢琴作曲家，甚至对后来维也纳古典乐派的海顿、莫扎特的创作及演奏风格都带来相当大的影响。所幸他们的天才并没有受到这种框框的束缚，固有的音乐创作个性依然得到自由展现。
